C’est à l’occasion d’une nouvelle production du Tour d’écrou, à La Monnaie, par Andrea Breth, que le jeune chef d’orchestre a approché l’œuvre la plus fantomatique de Britten. La captation du spectacle vient de sortir, au disque, chez Alpha. C’est la seconde fois que La Monnaie sort un Tour d’écrou au disque, plus de vingt ans après la version Pappano, Chilcott & Rolfe Johnson (Universal).
Vous souvenez-vous des circonstances de votre premier contact avec cette œuvre ?
J’ai vu cette Le Tour d’écrou pour la première fois dans une production de l’English National Opera dirigée par mon ami Timothy Sheader. J’ai été bouleversé par l’incroyable synthèse de la musique et du drame, ainsi que par la concision de l’écriture musicale. Dès que j’ai vu la représentation, j’ai immédiatement téléchargé un certain nombre d’enregistrements pour les écouter et encore. Ce fut un moment merveilleux lorsque Peter de Caluwe [ndlr : directeur de La Monnaie] m’a demandé de diriger cette nouvelle production extraordinaire d’Andrea Breth, en 2021.
Avez-vous lu la nouvelle d’Henry James ?
J’ai lu cette short story alors que j’étudiais un article sur Benjamin Britten à l’université. C’est une œuvre extrêmement concise et psychologiquement ambiguë, mais je pense que le cadre dramatique qu’imagine Britten porte l’histoire à un niveau supérieur. La façon dont il « tourne la vis » avec ses variations musicales reflète la folie croissante de la gouvernante, ce qui la rend encore plus poignante.
Dans cet opéra, comme c’est souvent le cas chez Britten, la question de la relation à l’enfance et à l’abus est soulevée. Qu’en pensez-vous ?
L’interprétation de l’histoire par Britten accorde clairement une grande attention à la corruption de l’innocence. Dans nombre de ses autres œuvres, nous voyons la relation entre un homme plus âgé, peut-être abusif, et un jeune garçon (Peter Grimes, Oberon et Puck dans A Midsummer Night’s Dream, Aschenbach et Tadzio dans Death in Venice). Ici, la violence est beaucoup plus intégrée au tissu de la pièce. Chaque personnage voit son innocence corrompue de différentes manières. La violence de Quint à l’égard de Mlle Jessel conduit à sa propre violence à l’égard de Flora, et la Gouvernante tente de contrôler les enfants afin de les « protéger » en quelque sorte.
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Quels sont les défis que doit relever le chef d’orchestre dans cette partition ?
Le plus grand défi musical est aussi l’une des plus grandes forces de la pièce : Britten est d’une clarté empirique dans ses instructions et dans sa notation, si bien qu’interpréter cette pièce revient plutôt à réaliser le travail qui se trouve déjà sur la page. Britten écrit magnifiquement pour les petites forces de chambre, mais c’est bien sûr un défi de produire la gamme de sons que l’on pourrait attendre d’un opéra avec un orchestre symphonique complet. L’intimité de son écriture signifie que tout le monde est exposé à tout moment et nous devons travailler très dur pour rester à la hauteur des exigences techniques et émotionnelles de la pièce.
Un disque est comme un fantôme : il est le témoin d’une chose passée ; il est aussi implacable car il est figé dans le temps. Comment s’habitue-t-on à cette idée ?
Les premiers CD que j’ai enregistrés ont été une expérience intéressante ; j’avais du mal à accepter l’idée que je puisse poser un jalon dans mon interprétation d’une œuvre, tant mes goûts musicaux évoluaient constamment. Pour ce qui est de ce projet, j’ai eu l’impression qu’il était l’aboutissement d’une énorme quantité de réflexion et de préparation et que je pouvais être fier du résultat que nous avions à ce moment-là. Bien sûr, les choses vont changer, tout comme nous regardons aujourd’hui le grand enregistrement de cette œuvre par Britten et voyons comment le jeu d’orchestre a évolué au cours des dernières décennies. Une fois que vous acceptez que le projet est terminé et que ce produit sera dans le domaine public comme une représentation de son temps, c’est une expérience libératrice.
